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SUMMARY:aMarga sal - exposición Marga Sancho
DESCRIPTION:Si sobre un medio húmedo se vierte sal\, ésta absorbe el agua y con ella los pigmentos que pueda contener\, creando un vacío de color bajo el que asoma el blanco desleído o el amarillo desvirtuado; lo incierto del azar en la disposición de los cristales de sal. \nEs de esta sencilla -casi primitiva- técnica de la que se sirve Marga Sancho para componer un cierto número de obras (a la autora no le gusta nombrar ni las obras\, ni dividirlas en series) entre las cuales hemos realizado una selección para componer un mural que hemos denominado aMarga Sal\, en la que limita el azar mediante una gestualidad meditada\, para componer así imágenes\, superficies\, de potente naturaleza plástica. \nHay algo cruel en ello. De igual manera que para eliminar las malas hierbas vertemos sal sobre ellas hasta ahogarlas en pura asfixia; Marga Sancho vierte sal para borrar\, anular\, los pigmentos\, el sustrato que subyace bajo toda obra plástica\, que ya han perdido el interés para valorar su ausencia. \nLa metáfora puede ser\, se ha dicho\, cruel; el resultado\, sin duda\, potente. \nPedro García \n  \n \nMarga Sancho (Oviedo\, 1946) es una artista visual asturiana cuya trayectoria se caracteriza por la constante experimentación material y la profundidad expresiva\, combinando su pasión por la creación artística con una intensa labor docente y social en Asturias\, donde ha impartido talleres y proyectos en diversos ámbitos\, incluidos centros educativos y penitenciarios. A lo largo de varias décadas\, su trabajo ha evolucionado desde la cerámica y la escultura hacia la pintura\, explorando formatos poco convencionales y una variedad de técnicas: desde óleos vibrantes y soportes táctiles hasta experimentaciones con materiales como el corcho\, la piedra pómez o la sal sobre lienzo. \nSu obra\, íntimamente ligada a su experiencia vital y a un expresionismo emocional\, manifiesta una búsqueda de autenticidad que rehúye modas y etiquetas\, priorizando la comunicación sincera y la carga poética de la materia. Figuras humanas\, rostros\, máscaras y paisajes interiores se suceden en un universo iconográfico único\, donde el signo\, el color y la textura cobran protagonismo. Alejada del circuito comercial y de corrientes dominantes\, Sancho es reconocida por su autenticidad\, su aportación a la modernidad artística asturiana y su capacidad de fundir belleza y dolor en composiciones llenas de fuerza\, reflexión y originalidad; por su libertad experimental\, la ausencia de moldes fijos y el predominio de la expresividad subjetiva\, la materia y las texturas. \nSu evolución se ha venido realizando a través de fases no lineales\, con constantes retornos y transformaciones personales que hacen de su producción un ejemplo de vitalidad y autenticidad en el arte contemporáneo asturiano y español. \n 
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SUMMARY:Cartografías de paso - Marga González (off Noche Blanca)
DESCRIPTION:Coincidiendo con la Noche Blanca de Oviedo\, pero fuera del programa oficial\, en Postigo Abierto ofreceremos una propuesta sensorial e interdisciplinar que invita al espectador a recorrer un territorio emocional tejido con pintura\, escultura\, movimiento y sabor: «Cartografías de paso». \nLa exposición transforma Postigo Abierto\, un espacio alternativo y singular en el casco antiguo de Oviedo\, en un mapa íntimo donde las obras plásticas dialogan con una performance en vivo y una intervención comestible que prolonga la experiencia a través del gusto. \nUn proyecto que explora la idea del paso y del rastro. El cuerpo que habita y deja huella\, el tránsito entre lo visible y lo invisible\, lo tangible y lo sensorial. \n  \nFormato: Instalación plástica y performance. \nArtistas: Marga González\, artista plástico y Elia Fernández\, bailarina y actriz. \n  \n  \n  \nInstalación plástica: “Cartografías de paso”\nLa sala acogerá una selección de pinturas y esculturas de la serie Cartografías de paso. \nLa exposición nos introduce en la esencia de los “no lugares” descritos por Marc Augé a través de un motivo recurrente\, los pasos de peatones. Espacios de tránsito donde innumerables historias se cruzan fugazmente y que aquí se convierten en el eje de una exploración artística. \nLos pasos de peatones funcionan como metáforas de la fugacidad de la vida contemporánea\, del movimiento constante y del anonimato que define lo cotidiano. Las obras recogen la figura humana en desplazamiento\, transeúntes anónimos que avanzan de un punto a otro\, revelando la energía efímera y la poética que habita en estos escenarios urbanos. \n \n  \nPerformance: “Cuerpo de paso”\nDurante la inauguración\, la actriz y bailarina Elia Fernández activará el espacio con una performance concebida en diálogo directo con las obras. A través del movimiento\, encarnará el tránsito invisible entre cuerpos y formas\, entre materia y emoción. \nLa acción escénica incluirá la interacción con un maniquí intervenido por la artista\, explorando los límites entre lo animado y lo inanimado\, lo efímero y lo permanente. Este diálogo físico y poético expandirá el significado del tránsito en la propuesta\, convirtiendo el espacio en un territorio vivo. \nLa exposición no solo evoca los “no lugares”\, sino que también invita a reflexionar sobre nuestra experiencia en ellos: ¿quiénes son las personas con las que nos cruzamos? ¿Qué historias se esconden tras sus rostros anónimos? ¿Cómo habitamos esos espacios de paso que forman parte de nuestra vida cotidiana? \nEn esta acción\, Elia Fernández transforma el espacio en un escenario de poesía visual\, donde el movimiento humano se erige en protagonista de una danza constante de encuentros y desencuentros. \n \nIntervención comestible: Sabores del trayecto\nComo cierre del evento\, se propone una intervención comestible a cargo de Marga González: piezas concebidas como esculturas efímeras que\, al disolverse en la boca\, prolongan la experiencia sensorial del visitante. Una metáfora sobre lo que permanece y lo que se desvanece\, donde el gusto se convierte en parte de la cartografía emocional del proyecto. \n  \nFicha técnica \nArtista plástica: Marga González\nBailarina/Actriz: Elia Fernández\nEspacio: Postigo Abierto \nDuración: \nInstalación 4 de octubre\, 19:30–21:30 h\,\nPerformance: 2 pases: 20:00 y 21:00 h. \nENTRADA LIBRE HASTA COMPLETAR EL AFORO \n  \n 
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SUMMARY:Cartografías de Paso - Marga González (exposición)
DESCRIPTION:Esta exposición «Cartografías de Paso» de Marga González recoge una selección de obras (pinturas\, collages y esculturas) de sus series Passando y Espacios del Anonimato que formaron parte de la instalación plástica que conformó el evento homónimo organizado en nuestro espacio de Postigo Abierto como propuesta fuera del programa oficial de la reciente Noche Blanca de Oviedo en 2025. \n \n\n			\n				\n			\n			\n				\n			\n		\n\n  \nEstamos ante un recorrido por un territorio emocional tejido con pintura\, collage y escultura\, que explora la idea del paso y del rastro\, introduciéndonos en la esencia de los “no lugares” descritos por Marc Augé a través de un motivo recurrente\, los pasos de peatones. Espacios de tránsito donde innumerables historias se cruzan fugazmente y que aquí se convierten en el eje de una exploración artística. Los pasos de peatones funcionan como metáforas de la fugacidad de la vida contemporánea\, del movimiento constante y del anonimato que define lo cotidiano. Las obras recogen la figura humana en desplazamiento\, transeúntes anónimos que avanzan de un punto a otro\, revelando la energía efímera y la poética que habita en estos escenarios urbanos. \n  \n  \nEl espacio del «no lugar» libera a quien lo penetra de sus determinaciones habituales. La persona solo es lo que hace o vive como pasajero\, cliente\, conductor\, transeúnte\, y por un instante desempeña un rol «desidentificado». La coincidencia de paso con otras personas\, a las que no conoce y no volverá a ver\, o si lo hace ni lo recordará\, no sólo no evoca al acompañamiento o la singularidad\, sino todo lo contrario\, a la soledad y la similitud entre los desconocidos. Caminamos guardando nuestro espacio interno\, nuestros pensamientos\, mientras el exterior nos bombardea continuamente con información y escenas que vamos tomando o rechazando. \n  \n \n  \nMarga González Pérez es artista plástico ovetense\, formada en dibujo\, pintura y escultura\, entre otros\, con César G. Pola o Humberto\, y que ha participado en numerosas exposiciones individuales en Coaña\, Cangas de Onís\, Gijón\, Oviedo o Barcelona y otras tantas colectivas\, con obra en posesión del Ayuntamiento de Gijón\, Hospital de Jarrio\, Universidad de Oviedo y diferentes colecciones particulares. \n  \nLa exposición es de entrada libre y se puede visitar entre el 6 y 31 de octubre de 2025\, en la Pared de los Susurros de nuestro local\, en la calle Postigo Bajo\, 21-bajo de Oviedo\, de lunes a viernes\, entre las 17:30 y las 21:30 horas\, así como en los días de actividad de Postigo Abierto.
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SUMMARY:Sábado de Danza
DESCRIPTION:Prueba de nuestro compromiso con la promoción de artistas de la danza del territorio asturiano es esta muestra compuesta por tres piezas que han sido desarrolladas en sendas residencias artísticas en nuestro espacio de Postigo Abierto y que hemos reunido para esta sesión. \n  \n \nMartes a las 11 es una deliciosa micropieza creada e interpretada por Lydia Areces y Lara Fernández que surge de la necesidad de juntarse para bailar y que fue estrenada en la Gala de Danza 2025 de Elisa Escuela de Danza. \n  \n  \n \nIntrospección es un viaje profundo hacia el interior de un ser atrapado en un conflicto consigo mismo. A través de movimientos que oscilan entre la confrontación y la reconciliación\, la pieza explora la complejidad del pensamiento humano. Es la historia de una mente que se abre paso entre sombras y luces\, enfrentándose a sus propios juicios\, temores y deseos\, mientras busca comprender las respuestas que surgen frente a las experiencias y estímulos de su vida. En este proceso\, el protagonista se encuentra con una realidad alternativa\, un espacio construido por su imaginación\, donde las huellas de lo que pudo haber sido toman forma. Esta dimensión etérea se entrelaza con la realidad tangible\, reflejando cómo nuestras percepciones y pensamientos pueden moldear no sólo nuestra visión del pasado\, sino también nuestro camino hacia el futuro. «Introspección» invita al espectador a contemplar su propia relación con su mundo interior\, recordándonos que a veces las respuestas más reveladoras se encuentran en el silencio y en la danza de nuestras emociones más profundas. Mostrada inicialmente en Postigo Abierto\, formó parte del programa Escena en Danza de Gijón en 2025. \n  \n \nSacerdotisa de la Sed es una pieza de performance-danza contemporánea creada por la artista Lydia Areces Novo\, que se presentó dentro del programa Escena en Danza de Gijón en 2025. La obra\, dividida en tres actos (Devoción\, Locura y Saciedad)\, explora temas como la relación entre la imagen y el bienestar\, y los peligros del sacrificio en nombre de la belleza\, siguiendo la doctrina de la protagonista «Beberás limpia o no beberás». \n  \n  \nBailarines:\n \nLydia Areces Novo es bailarina de danza contemporánea y fotógrafa\, formada en España y Portugal\, con una fuerte base en ballet clásico. Coreógrafa y profesora de ballet\, danza contemporánea y urbano. Ha trabajado como bailarina en diversas propuestas artísticas como la Semana Profesional del arte y la Noche Blanca de Oviedo y con compañías como la de Begoña Muñoz; Higiénico Papel Teatro; Yoshua Cienfuegos; Margarida Carvalho… Y ha sido creadora e intérprete de la pieza Incubo con Leandro Manzo. \n  \n \nLara Mª Fdez. Kassies  es bailarina de danza contemporánea. Su trayectoria se ha desarrollado entre España\, Dinamarca y Suecia. Tras formarse en la Copenhagen Contemporary Dance School y en el programa New Education for Contemporary Dance de Härnösand Folkhögskola\, ha regresado a Asturias\, donde continúa explorando la danza desde una perspectiva independiente. Su principal interés reside en la improvisación y en la integración constante de distintas técnicas y lenguajes a su repertorio. Desde 2020 mantiene una estrecha colaboración con la bailarina y coreógrafa Lydia Areces Novo\, con quien comparte procesos de improvisación y creación. \n  \n \nYaddiel Espinosa Carvajal y Yariel Espinosa Carvajal son hermanos mellizos cubanos que han compartido hasta el momento una inseparable y brillante trayectoria. Graduados de danza por la Escuela Elemental de las artes Ñola Sahig Sahinz (Ciego de Ávila\, Cuba)\, graduados de Bailarín profesional danza contemporánea y folclórica\, por la Escuela Profesional de las artes Samuel Feijoo (Villa Clara\, Cuba) y bailarines en diversas compañías cubanas\, así como profesores de técnica moderna y contemporánea y de composición coreográfica\, en la Escuela profesional de las artes Samuel Feijoo (Villa Clara\, Cuba). Alcanzaron el 1er Nivel de Evaluación de Danza y formaron parte\, primero como bailarines y posteriormente como profesores de contemporáneo\, en la Compañía de danza contemporánea Rosario Cárdenas (La Habana\, Cuba). Han participado en talleres y clases magistrales con diversas figuras\, como el maestro chileno Bernardo Orellana\, el bailarín y coreógrafo cubano-francés Nelson Reguera\, el bailarín ucraniano Vladimir Malakhov\, el bailarín francés Emeric Rabot\, el coreógrafo colombiano-francés Alexis Miramón\, o la maestra\, coreógrafa y bailarina cubana\, Rosario Cárdenas. También han compartido innumerables premios y participaciones en festivales y concursos. \n  \n  \n  \nIMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [ #ReservaPlaza SábadoDeDanza ] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente).
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SUMMARY:Día del Artista 2025 - Blanca de Nicolás
DESCRIPTION:Aunque también existe el Día Mundial del Arte\, que se conmemora el 15 de abril en honor al nacimiento de Leonardo da Vinci y su legado artístico\, el Día Internacional del Artista se celebra cada 25 de octubre en conmemoración del nacimiento de Pablo Picasso\, y busca homenajear a los artistas y promover la importancia de su contribución a la cultura y la sociedad. \nAsí que\, pensando en todos esos artistas\, de las múltiples disciplinas\, en Postigo Abierto hemos decidido celebrarlo. \n\n\nOrganizado por Postigo Abierto\, Elisa escuela de danza y Blanca De Nicolás.\n\nHappening con participación de artistas de múltiples artes.\nUn encuentro de artistas\nUn encuentro con las artes\nEL ARTE ES UNA FIESTA
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SUMMARY:El Color del Silencio - exposición Taylor
DESCRIPTION:«El Color del Silencio» es una exposición que invita al espectador a dejarse sorprender\, a emocionarse\, a reflexionar y a conectar con el arte desde un lugar amable y abierto. Porque\, al fin y al cabo\, pintar es también una forma de comprender el mundo propio e invitar a él a los demás. \n  \n \nTaylor \nArtista autodidacta que descubrió la pintura a los 16 años y desde entonces no ha dejado de explorarla. En los últimos años\, su dedicación se ha intensificado\, dando lugar a una obra más profunda\, personal y comprometida. \nSu estilo\, en constante evolución\, bebe de múltiples influencias —algunas más reconocibles\, otras más veladas—\, pero siempre con la intención de construir una voz propia\, singular y honesta. \nTaylor trabaja con técnicas mixtas\, combinando materiales diversos y pigmentos en composiciones que desafían las clasificaciones tradicionales. Cada pieza es el resultado de una búsqueda intuitiva\, casi alquímica\, donde la materia cobra vida. \nEn los últimos años ha expuesto en la Casa de la Cultura de Posada de Llanera y ha participado en varias muestras colectivas en la Galería Dos Ajolotes\, espacio con el que mantiene una estrecha relación. \n 
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SUMMARY:Dos continentes\, una guitarra - Andrés Zapico
DESCRIPTION:Los primeros maestros y compositores para guitarra de la época romántica hispanoamericana siempre han sido centro de mitos\, incluso siendo absolutamente olvidados. Los manuscritos y documentos que durante esta última década han sido encontrados abren un nuevo ciclo para su investigación e interpretación. \nEs en este contexto que el maestro Andrés Zapico no solo une a los fundadores románticos españoles sino además a sus alumnos mas destacados y quienes fueron también en algunos casos los responsables de que este periodo musical se expandiera en varios países latinoamericanos. Julián Arcas\, Antonio Jiménez Manjón\, Estanislao Marco\, Antonio Alba\, Carlos Pimentel solo por nombrar algunos\, vuelven al presente nuevamente\, con un sonido idéntico al que fuera el original histórico. \nUn desafío no menor del maestro Zapico\, juntar a compositores\, intérpretes\, y la herencia de sus obras\, que fueran tan importantes para toda Hispanoamérica otorgándole a la guitarra\, el lugar de importancia que conocemos hasta nuestros días. \n  \n  \n \n  \nAndrés Zapico \nAndrés Zapico Maldonado nació en Valparaíso\, Chile\, el 17 de septiembre de 1981. Inició su formación musical en el Conservatorio de Música de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso y la continuó en el Conservatorio de Música de la Universidad Católica de Temuco\, bajo la dirección del maestro cubano Carlos Lloró\, egresando con distinción máxima en 2011. \nEn 2002 impartió talleres de guitarra en la Escuela de Bellas Artes Fernando Lichiock de Quilpué. En 2014 se trasladó a San Juan de Pasto\, Colombia\, donde fue profesor en la Universidad Mariana y en la Red de Escuelas de Formación Musical de Pasto entre 2016 y 2021. Ha organizado el Seminario Internacional de Guitarras\, que celebró su octava versión en 2022\, reuniendo a destacados exponentes sudamericanos. \nEn 2017 fundó y preside la Fundación Zapico\, y desde 2020 lidera el Centro Internacional de Estudios Musicales\, instituciones dedicadas a la investigación y difusión del repertorio romántico latinoamericano. Recientemente fue incorporado como miembro correspondiente de la Sociedad de Folclor Chileno. \nSu discografía incluye los álbumes «Arquetipos» (2017)\, en el que recoge una acuciosa investiganción de doce compositores de diversos estilos y nacionalidades; «La guitarra y su memoria» (2022)\, un viaje por los distintos manuscritos latinoamericanos de guitarrristas románticos; y «Acordes de Carlos Pimentel» (2023)\, que revela el desconocido lado docto de este compositor y guitarrista porteño. \nHa recibido distinciones como el Premio Correo del Sur en Colombia por mejor intérprete musical (2015) y por mejor disco y producción musical (2017).  \n  \n  \n  \nIMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [ #ReservaPlaza Zapico ] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente).
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SUMMARY:Fantasía - La Sonajera
DESCRIPTION:ATENCIÓN \n¡¡¡¡CONCIERTO DE LA SONAJERA CANCELADO POR ENFERMEDAD!!!\n  \nUna fantasía es una forma musical libre\, imaginativa\, improvisada\, como el juego y la risa de un bebé. Los cuatro elementos de la naturaleza\, agua\, fuego\, tierra y aire\, serán los invitados de este patchwork de recitados\, armonías vocales\, interpretaciones instrumentales\, improvisaciones interactivas… ¡y música fantástica! \n  \n \nLa Sonajera es un cuarteto compuesto por Teresa García (violín)\, Sara Cid (violonchelo)\, María Vicente (flauta travesera) y Paula Menéndez (violonchelo). Con una sólida formación en música\, musicoterapia y pedagogía\, se conocieron en la escuela de música Tempo de Oviedo en 2012\, donde empezó su colaboración artística ofreciendo conciertos para bebés y cuentos musicales en reconocidos escenarios de Asturias. Fundaron La Sonajera en 2021 con el propósito de promover el desarrollo musical en los más pequeños mediante espectáculos familiares que destacan por su calidad musical\, interacción con el público\, calidez humana\, sorpresa y experimentación sonora. Con perfiles como el de Teresa\, directora de Tempo de Oviedo y educadora musical\, o Sara\, maestra y colaboradora en cuentos musicales por toda Asturias\, combinan su pasión por la música para encantar a los corazones más jóvenes con la magia sonora. \n  \nGénero: Concierto interactivo\nDuración: 50 minutos\nTipo de público: Familiar. Bebés y niños hasta 6 años.  \n(adultos 9 €\, niños 7 €). \n  \nImportante: A causa de lo reducido del aforo resulta IMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [#ReservaPlaza Fantasía] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente). \n  \n 
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SUMMARY:Tiempo - Sergio Nguema
DESCRIPTION:TIEMPO es un proyecto escénico que ofrece una reflexión contemporánea sobre un tema eminentemente humano: el devenir del tiempo. Un espectáculo a medio camino entre la seriedad y el humor donde la protagonista es la danza\, de la mano del teatro físico y el texto. Es este carácter multidisciplinar el que define a Sergio Nguema como creador y el que define a las producciones y consumo cultural de una sociedad líquida en la que transitamos. \nSINOPSIS \nTIEMPO cuenta la historia de un joven ya no tan joven que siente que cada minuto de su vida se le escurre como un pez untado en aceite. Es consciente de que su mente jamás está en el presente\, mientras que su cuerpo está condenado a vivir en un presente constante. Y mientras vive y se mueve\, piensa. ¿Estoy viviendo mi vida de la manera que quiero? ¿Valoro realmente nuestro tiempo de vida en este mundo? ¿Somos capaces las personas de sentirnos plenas viviendo en el presente? \nCAMINO \nEsta obra es el resultado orgánico de la investigación sobre el concepto de tiempo de Sergio Nguema\, que ha dado como resultado las piezas ya estrenadas AND THE WINNER IS…\, y TVACHA\, desplazando el foco desde el pasado hacia el presente. \n  \nTextos: Sergio Nguema y Sergio Arróspide \nCoreografía y dirección: Sergio Nguema \n«El pasado es algo que ya no existe \nEl futuro es algo que ya vendrá \ny el presente se escurre» \n  \n  \nREFERENCIA CONCEPTUAL \nPHILIP ZIMBARDO\, PROFESOR EMÉRITO DE PSICOLOGÍA DE LA UNIVERSIDAD DE STANFORD \nTodos somos viajeros en el tiempo: nos basamos en recuerdos pasados\, experimentamos el presente y esperamos recompensas futuras. Pero la facilidad con la que viajamos de un lado a otro marca una diferencia crucial en lo bien que nos va en la vida y en lo felices que somos mientras la vivimos. Nuestra perspectiva de tiempo\, ya sea que tendamos a quedarnos estancados en el pasado\, vivamos solo el momento o estemos esclavizados por nuestras ambiciones para el futuro\, puede predecir todo\, desde el éxito educativo y profesional hasta la salud y la felicidad en general. \nEl profesor emérito de psicología de la Universidad de Stanford\, Philip Zimbardo\, acuñó la idea de la perspectiva del tiempo. Después de más de diez años de investigación\, concluyó que nuestra actitud hacia el tiempo es tan definitoria como los rasgos clave de la personalidad\, como el optimismo o la sociabilidad. Él cree que la perspectiva del tiempo influye en muchos de nuestros juicios\, decisiones y acciones. Zimbardo recomendó que una perspectiva de tiempo más basada en el futuro podría ayudar a los estudiantes a estudiar y progresar hacia la educación superior. La mayoría de los investigadores creen que nuestra perspectiva temporal se aprende en gran medida en la infancia. La cultura también influye en nuestra perspectiva temporal. Las sociedades individualistas y «centradas en mí»; tienden a centrarse en el futuro\, mientras que las sociedades más «centradas en nosotros»\, las que fomentan el compromiso social\, invierten más en el pasado. La riqueza también tiene un efecto: las comunidades más pobres tienden a vivir más en el presente. Pero todos podemos cambiar nuestra perspectiva temporal\, dice Zimbardo. Idealmente\, podemos aprender a cambiar nuestra atención fácilmente entre el pasado\, el presente y el futuro\, y adaptar conscientemente nuestra mentalidad a cualquier situación dada. Aprender a cambiar de perspectiva temporal nos permite participar plenamente en todo lo que hacemos\, ya sea una noche relajada disfrutando de una copa de vino o recordando eventos de hace mucho tiempo con amistades. \n  \n \nEL ARTISTA \nSergio Nguema es un artista donostiarra que ha dedicado su vida al arte\, como bailarín\, coreógrafo\, cantante\, actor y director artístico. Ha trabajado en España\, Alemania\, Francia\, Italia\, Portugal\, Polonia y EEUU. Sergio viene del mundo de la danza y lleva más de 30 años pisando escenarios. Ha trabajado como bailarín en compañías como Blanca Lí\, Ertza y Kukai. Ha estado formando a los bailarines de las compañías Gelabert – Azzopardi (Barcelona)\, Kukai (Euskadi – premio nacional de danza 2018)\, Tanz Compagnie Oldenburg (Alemania) y ha sido profesor en workshops y juez en diferentes eventos a nivel nacional e internacional. \n  \n  \nIMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: #ReservaPlaza Tiempo e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente). \n  \n  \n 
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SUMMARY:Ramé - exposición Carla Pérez (Yune)
DESCRIPTION:Proveniente del balinés y sin traducción directa al español\, Ramé es una palabra que describe algo que es «caótico y hermoso al mismo tiempo»\, refiriéndose a una armonía inesperada entre lo desordenado y lo estéticamente atractivo\, como puede ocurrir en la vida\, una situación\, un paisaje o una obra de arte. Representa la complejidad y dualidad de la vida\, donde la belleza puede surgir del caos\, como en los planes espontáneos que resultan ser los mejores\, o en la calma que se encuentra en medio de una tormenta.\n\n\nLas obras recogidas en esta exposición reflejan el interior de uno mismo\, sacan la atención del estereotipo de belleza marcado y buscan reflejar la hermosura de lo que usualmente es considerado como raro y extraño. La autora hace ver que hasta las cosas menos perfectas pueden llamarnos la atención\, usando de referencia desde cosas casuales como un pequeño insecto hasta grandes obras de la literatura\, y que el arte no se encuentra siempre en lo llamativo\, sino que hay que saber buscarlo en los lugares menos esperados.\n\n\nLa búsqueda del siguiente paso no radica siempre en lugares brillantes. A veces\, en la oscuridad\, encontramos la manera de seguir nuestro propio camino\, camino que en ocasiones difiere de lo establecido. Para la inauguración se organizará un happening en el que se mostrará una interpretación de un posible futuro y se ofrecerá\, a aquellos que les interese\, conocer el suyo propio.\n\n\n\n\nCarla Pérez (Yune) \n\nSe inició con clases de cerámica a los 5 años y a dibujo con 13. A los 16 entró en la Escuela de Arte de Oviedo donde cursó el Bachillerato y más tarde Arquitectura Efímera. Su trabajo de fin de grado fue presentado en 2023 en la Sala Borrón de Oviedo por ser de los mejores de su promoción. Desde entonces recibe encargos tanto para personas individuales como para empresas\, en los que trabaja el dibujo\, la estampación de tejidos y la creación de figuras 3D con diversos materiales.\n\n\nLa exposición es de entrada libre y se puede visitar entre el 14 de diciembre de 2025 y el 16 de enero de 2026\, en la Pared de los Susurros de nuestro local\, en la calle Postigo Bajo\, 21-bajo de Oviedo\, de lunes a viernes\, entre las 17:00 y las 21:00 horas\, así como en los días de actividad de Postigo Abierto. El happening de inauguración será el domingo 14 de diciembre de 2025 a las 18:00.
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SUMMARY:El Cascanueces - La Sonajera (concierto familiar interactivo)
DESCRIPTION:Si hacemos un poco de Historia\, «El Cascanueces» es un cuento de hadas escenificado en un ballet estructurado en dos actos y cinco escenas que ha perdurado en el tiempo como un clásico atemporal. Estrenado el 17 de diciembre de 1892 en el teatro Mariinsky de San Petersburgo\, con coreografía de Lev Ivanov\, la dirección de Marius Petipa y la icónica música compuesta por Piotr I. Tchaikovsky\, su historia original se inspira en el relato de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann titulado «El Cascanueces y el Rey de los ratones» (1816)\, aunque el argumento que posteriormente dio vida al famoso ballet de Tchaikovsky se basa en una adaptación que del texto original de Hoffmann realizó Alejandro Dumas (padre). \nEn este caso\, y pensando en estas señaladas fechas y en el público infantil y familiar\, nos encontramos ante una adaptación especial. ¡Un árbol de Navidad\, la visita de una mago misterioso\, regalos\, ratones\, soldados\, bailarinas y… Tchaikovsky!. \nEstamos ante un espectáculo navideño lleno de encanto y magia. Sumérgete en un mundo misterioso alrededor de un majestuoso árbol de Navidad. Acompaña al enigmático mago en su visita\, descubre la emoción de los regalos y déjate llevar por las travesuras de los ratones. Adéntrate en un universo de soldaditos y delicadas bailarinas que cobran vida al ritmo de la cautivadora música de Tchaikovsky. Con una combinación mágica de música\, danza y sorpresas\, os ofrecemos la posibilidad de vivir una experiencia fascinante llena de alegría y espíritu navideño. ¡Déjate transportar a un cuento encantado donde la magia de la Navidad cobra vida! \n  \n \n \n \n \n \n  \n  \n \nLa Sonajera es un cuarteto compuesto por Teresa García (violín)\, Sara Cid (violonchelo)\, María Vicente (flauta travesera) y Paula Menéndez (violonchelo). Con una sólida formación en música\, musicoterapia y pedagogía\, se conocieron en la escuela de música Tempo de Oviedo en 2012\, donde empezó su colaboración artística ofreciendo conciertos para bebés y cuentos musicales en reconocidos escenarios de Asturias. Fundaron La Sonajera en 2021 con el propósito de promover el desarrollo musical en los más pequeños mediante espectáculos familiares que destacan por su calidad musical\, interacción con el público\, calidez humana\, sorpresa y experimentación sonora. Con perfiles como el de Teresa\, directora de Tempo de Oviedo y educadora musical\, o Sara\, maestra y colaboradora en cuentos musicales por toda Asturias\, combinan su pasión por la música para encantar a los corazones más jóvenes con la magia sonora. \n  \nGénero: Concierto interactivo\nDuración: 50 minutos\nTipo de público: Familiar. Bebés y niños hasta 6 años.  \n(adultos 9 €\, niños 7 €). \n  \nImportante: A causa de lo reducido del aforo resulta IMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [#ReservaPlaza Cascanueces] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente). \n  \n 
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SUMMARY:Lecturas danzadas (Laboratorio en escena) - Lan
DESCRIPTION:LECTURAS DANZADAS es un inventario de recursos de lectura y escritura que transparenta las constantes escénicas\, en alusión al tema de la memoria. Dicho de otro modo\, LECTURAS DANZADAS consiste en un ciclo de investigación de la memoria a través de divertidos experimentos escénicos\, donde el público es invitado a participar\, por supuesto. \nPara su composición teórica\, Lan se nutre de aportaciones de varios maestros. El concepto de «teatro de laboratorio» lo toma de Jerzy Grotowski\, quien bebe a su vez de enfoques anteriores: el método Stanislawsky\, la biomecánica de Meyerhold\, el teatro de la crueldad de Artaud\, el efecto de distanciamiento de Brecht\, los estilos asiáticos… A partir de esta práctica concienzuda se amplían las posibilidades de experimentación\, y se propicia -como proponía Max Herrmann-\, el protagonismo del público. \nLan traduce el «teatro pobre» de Grotowski en «teatro de recursos disponibles». Resume la esencia del hacer escénico en una fórmula: Arte de Urgencia Migratoria\, y de esa función definitoria deduce cinco factores\, lógicos\, fáciles de transmitir y de aplicar inmediatamente\, a los que llama: constantes escénicas. Al inicio de cada función de Laboratorio En Escena\, introduce al público en esas constantes\, que serán las herramientas para abordar la investigación de un tema que conduce a verdades subyacentes. \n  \n \nLan nace en Buenos Aires (Argentina) en 1973. Desde su primera infancia compone escenarios\, títeres y máscaras. En su escuela primaria\, escribe y dirige obras de teatro. Entra en la escuela de teatro de Hugo Midón\, donde su profesora Cristina Banegas lo recomienda a un casting por el que queda seleccionado para la obra «Galileo Galilei»\, primer puesta de un Brecht al retorno de la democracia\, dirigida por Jaime Kogan en el Teatro Municipal Gral San Martín. A partir de entonces tiene varias experiencias televisivas y\, años más tarde\, luego de cursar estudios de cine con Néstor Paternostro\, narrativa literaria con Alberto Laiseca\, plástica con Hermenegildo Sabat\, y las carreras de Arquitectura e Historia en la Universidad de Buenos Aires\, retoma clases de teatro con Nora Moseinco\, Alejandro Catalán\, Thomas Prattki; y cursa clases de canto con Lucía Maranca; de danza contemporánea\, con Carlos Casella; de danza-teatro\, con Mabel Dai Chee Chang; y de  karate\, estilo Shorinryu Matsubaiashi\, con sensei Seiko Arakaki. Se psicoanaliza desde los 15 años y estudia Psicoanálisis de orientación lacaniana desde 2013. Propone laboratorios de teatro con distintos objetivos de investigación desde 2002. A partir de 2005\, en Buenos Aires\, nuclea una compañía con la que produce tres obras. En 2008 se traslada a Madrid\, donde funda otras dos compañías: «Circo de la calma» y «Notoda»\, con las que produce otras tres obras. En Asturias\, donde reside desde 2010\, forma la plataforma «Vello Público»\, de 2011 a 2018\, sello con el que realiza numerosas obras\, y viaja por España\, Irlanda\, Alemania\, Francia\, Gambia y Argentina. Desde 2020 dirige el sello Extra-Actos\, con el que propone «Salto de raíz»\, «Laboratorio En Escena»\, «Las Derrotas»\, «La Dulzura» y «El Proyecto Infalible». También produce videos\, primero como «Vello Público»\, y luego como «Videopelis». Sus videopelis «Por Fin Viva» y «La selva frente a la muerte» fueron seleccionadas en FICX y Cine Azul Surrealidades\, respectivamente. Tiene editados cuatro libros: «Pleno y vacío» (autobiográfico)\, «El cine en la Antigüedad» (novela)\, «Apunts Hermetícs» (novela)\, «Biensur» (diario-ensayo-novela). \n  \n  \nImportante: A causa de lo reducido del aforo resulta IMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [#ReservaPlaza Lecturas] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente) \n  \n 
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SUMMARY:La quimera del reflejo - exposición Rufino Arbesú
DESCRIPTION:(Importante: Ampliado su plazo de visitas hasta el 20 de marzo de 2026) \nSe han roto los límites\, lo representado ya no cabe en la representación\, la desborda. \nPara ello fue necesaria la irrupción de la fotografía. Su falso y exagerado mimetismo construía más rápida y más eficazmente la realidad\, nada\, absolutamente nada\, se escapaba a su registro y\, se acabó imponiendo\, lo que no se mostraba sencillamente no existía. La mujer el hombre quedaban relegados a meras fluctuaciones de luz sobre superficies\, detrás de esa inmensa realidad ya no se podía mostrar nada o era engaño\, errónea percepción o empeño virtuoso. \nEl arte no volvería a ser lo mismo\, era necesario un cambio y la representación se distorsionó para acoger lo que se ocultaba bajo la fluctuación de la luz\, pues la luz muestra a la vez que encierra. \nOtros muchos artistas lo hicieron\, pero Picasso\, ese pequeño y hercúleo artista\, lo evidenció en multitud de obras\, la idea le obsesionaba\, agrupadas bajo los títulos de El pintor trabajando o El pintor y la modelo. En ellas\, nos muestra al pintor enfrentado a una modelo\, la representa de manera naturalista mientras en el lienzo que trabaja el pintor la muestra compleja\, irregular\, deformada\, para revelar así lo que la superficie esconde y adentrarse en los terrenos confusos del individuo. Aquí ya no importa el mimetismo pues resulta anecdótico. Aquí ya solo importa lo que el artista percibe de la modelo\, sea congruente o no. \nSe ha abierto un camino. \nY es sobre ese camino donde transita la pintura de Rufino Arbesú. Sobre esa quimera\, sobre esa especulación donde lo representado desborda su carnalidad\, su representación\, en busca de una expresión más cercana a una realidad que solo se entrevé\, que sabe que siempre se esconde. \nPara ello\, abandona al modelo\, sencillamente no está\, no existe; solo existe la pulsión de la representación\, del acercamiento\, de la especulación. La figura\, retrato o autorretrato\, es terreno\, la pregunta y la respuesta\, la aproximación. Un aproximación a lo infinito\, pues lo representado es ya inabarcable de tanto que se han expandido los límites\, pues lo representado es variable\, sumatorio de tiempo y concepciones. \nSolo hay una posibilidad\, dejar constancia\, traspasarla al lienzo\, y en ese ámbito\, correcto o incorrecto\, sumar otra visión\, pues el arte ya no puede ser otra cosas que acumulaciones de percepciones y todas construyen. \nTuvo que venir la fotografía para que nos diéramos cuenta. \nPedro García  \n  \nEsta exposición\, realizada conjuntamente con la Asociación Dos Ajolotes\, será completada por la mirada de quien observe estas obras y penetre en los recovecos del arte y/o mente del artista. \n  \nEntrada libre. \nInauguración domingo 8 de febrero de 2026. Visitas hasta el 15 de marzo de 2026  20 de marzo de 2026 en la Pared de los Susurros de Postigo Abierto\, en horarios de lunes a viernes de 17 a 21 horas. \n  \nEl Artista \n \nLa foto del autor es producto de un reflejo deformado en un espejo de Postigo Abierto\, que según aquel\, combina mejor con sus pinturas. \nCuando estudiaba Diseño Gráfico en la Escuela de Artes y Oficios de Oviedo quiso dar un paso más en la afición a la fotografía y explorar sus posibilidades\, centrándose en la transferencia de las imágenes a tela o papel mediante diferentes técnicas. \nEntre finales del siglo pasado y principios de éste ha venido exponiendo en diversas Casas de Cultura y en una “librería-sala de arte” de Ponferrada. Fue seleccionado en una colectiva del Centro de Arte Dasto para ser artista de la galería y realizar allí una exposición. Posteriormente sintió la necesidad de la pintura\, de salir de las técnicas de impresión que de alguna manera le limitaban\, para expresarse a través de los pinceles. Y en ello está\, habiendo participado en las colectivas de la última temporada de Dos Ajolotes. \n  \n 
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SUMMARY:El carretón del desierto - Jorge Prior (proyección documental)
DESCRIPTION:El Carretón del Desierto (Jorge Prior\, 2023) es una crónica en forma de largometraje documental sobre la búsqueda humana por descubrir quiénes somos\, llevada a cabo por la polaca Kasia Sek y el español Jaime Hevia\, que enamorados decidieron meterse en el desierto del altiplano central mexicano y vivir ahí. \nComenzaron caminando largas distancias con sus mochilas llenas de títeres\, de rancho en rancho\, entre San Luís Potosí\, Zacatecas y Coahuila\, donde ofrecían sencillos espectáculos ambulantes al aire libre para niños y mayores\, sin cobrar entrada pero aceptando lo que los lugareños libremente les quieran dar\, sean semillas\, verduras\, frutas\, tacos o monedas. \nMás adelante decidieron comprar un carretón tirado por dos caballos y una mula que les sirve de medio de transporte\, escenario teatral\, vivienda y almacén de sus títeres y marionetas (la familia Nudo\, la troupe del Carretón) confeccionados con materiales reciclados y así cumplieron su sueño: la vida en libertad rechazando la modernidad\, viviendo con lo justo y proponiendo una forma de asumir el teatro\, la música\, la vida y la construcción de un destino propio\, y la búsqueda continua de niños y rancheros que quieran escuchar sus increíbles historias. \nSi bien los documentales del México profundo sobre la vida en el campo y el desierto suelen enfocarse desde la óptica de la miseria\, la precariedad y la marginación\, en este caso la insólita e increíble y bella historia de estos artistas nómadas extranjeros con un espectáculo de títeres propio de época medieval en pleno siglo XXI\, supone una visión totalmente alternativa que hacen esta obra tremendamente atractiva\, con una visión fresca\, mágica y esperanzadora. El trabajo protagonista\, junto a Katia y Jaime recae también en los pobladores de las remotas zonas por las que transitan\, en muchos casos incomunicadas\, donde la cultura y el entretenimiento son la excepción a la habitual rutina diaria\, y para los que ponerse alrededor del carretón les supone acceder a un mundo mágico \n  \n  \nFicha técnico-artística \nDirección: Jorge Prior \nCon: Katarzyna Sek\, Jaime Hevia\, y sus compañeros animales y títeres de la familia Nudo. \nTítulo original: El carretón del desierto\nGénero: Documental\nDuración 1:24\nIdioma: Español\nSubtítulos: Inglés y Español\nLocalizaciones:  Desierto de San Luis Potosí y Zacatecas / México\nProduccción: Producciones Volcán y Pierrot Films / México\nFormato de grabación Formato de grabación: Video\nProyección: DCP\nSonido: 5.1 dolby \n  \n \nJorge Prior (Ciudad de México\, 1951) es director\, productor\, documentalista y guionista egresado de la Escuela de Cine de la Universidad Nacional (CUEC) y de la de Comunicación de la Universidad Iberoamericana. Ha producido películas y documentales entre las que destacan “El retorno a Aztlán” de Juan Mora “Corazones rotos” de Rafael Montero o “Los Demonios del Edén” de Alejandra Islas\, también ha sido director de ficción con tres largometrajes: “Café Tacuba”\, “El ombligo de la luna” y “Pruebas de amor”. Ha recibido diversos premios y nominaciones por su trabajo\, el Ariel de Plata por el documental\, dos premios del club de periodistas por su trabajo en la televisión. Productor de diversas series para la televisión cultural\, Canal Once\, Canal 22\, TVUNAM y OPMA. Su película ¿Qué sueñan las cabras? ha sido seleccionada para los festivales de Guadalajara\, Acapulco y Huatulco en México; Toulouse (Francia)\, Montreal (Canadá)\, Lessinia (Italia) y Huelva y Cataluña (España) en el extranjero. En 2013 se le otorga el Premio Nacional de Periodismo (2011) en la categoría de Divulgación científica y cultural. En 2014 dirige el documental Malgré Tout\, a pesar de todo: Jesús Contreras y en 2023 éste «El Carretón del Desierto». \n \nKatarzyna «Kasia» Sek es egresada de la Escuela de Arte Dramático de Polonia\, especializada en marionetas y títeres. \n Jaime Hevia está titulado en Educación Física por la Universidad Complutense de Madrid y formado en artes circenses. \n  \nAl inicio de la proyección\, ésta será presentada en remoto por el director de la misma\, Jorge Prior\, y a la finalización del largometraje habrá un conversatorio online con Kasia y Jaime\, protagonistas de la película. \nEntrada libre hasta completar el aforo\, con taquilla inversa. \n  \n  \n  \n\n  \n  \n 
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SUMMARY:Sin red - Manuel D. Abad - presentación del poemario
DESCRIPTION:“Sin Red” es el sexto poemario de Manolo D. Abad (Oviedo\, 1968)\, una oda a la resistencia frente al dolor y los embates de la vida. Con un estilo sobrio y contenido\, que quema como el hielo sobre la carne\, el autor asturiano despliega con crudeza todas las características que conforman su personalidad poética: dolor\, desesperanza y esperanzas lentas\, amor y desamor\, la mirada a un mundo injusto y desafiante\, el peso de la libertad y el de la independencia. Con todo ello\, refuerza una voz personal\, sin concesiones\, auténtica y creíble. \n  \n“Dentro del dolor y la falta de esperanza\, temas esenciales en la obra de Manolo D. Abad (¿acaso no lo son\, en mayor o menor medida\, en un tiempo u otro\, en la vida de cualquier ser humano?)\, estos nuevos poemas adquieren un nuevo matiz que los equilibra y los eleva\, consiguiendo algunos de los mejores poemas escritos por el autor asturiano hasta la fecha” \n(Ovidio Parades\, escritor) \n  \n“La lectura de sus poemarios  te lleva a capítulos de sensaciones y  profunda sinceridad” \n“Uno de los aspectos que más me atraen  es la brutal sinceridad del autor\, su capacidad para gritarnos al oído lo que en los días  en los que escribió  ocupaban cada uno de los latidos de su corazón\, cada una de las sensaciones del alma” \n“Nos habla de su vida en el espejo del sentimiento más sincero” \n(Ruy Vega\, La Nueva Crónica) \n  \n  \nManuel D. Abad. Foto: Alberto Ceán-Bermúdez\nEl autor \nManolo D. Abad (Oviedo\, 1968) es escritor\, periodista y crítico musical y cinematográfico. Colabora desde 2013 como articulista con el diario «El Comercio» a través de columnas como «Vetusta Blues»\, «Vinilo Azul»\, «Crónicas de Vestuario» o «El Tocadiscos». Por esta labor recibió en 2015 el Premio de la Crítica de Asturias de columnismo literario que otorga la Asociación de Escritores de Asturias. Desde 1998 a 2004 editó y dirigió la revista cultural gratuita «Interferencias». Ha sido asesor y programador musical de la radiotelevisión asturiana (RTPA) entre 2010 y 2014 y 2015 y 2018. Colaboró en la revista musical «Ruta 66» entre 1987 y 2008\, además de otros medios escritos\, radiofónicos y televisivos. \nHa publicado la novela Elevator (2012); los libros de relatos Vasos sucios en la madrugada (2008)\, Viajes al fondo del precipicio (2012)\, Justos por pecadores (2014) y Rec-Capitulación (2018); los poemarios Ahora que ya somos solo silencio (2019)\, Frontón de la Esperanza (2020)\, Infernales\, tóxicos y demás parásitos (2021)\, Viendo cómo el mundo te deja atrás (2024) y Si la música no fuera vida\, estaría muerto (2025); y la recopilación de artículos Ojo Avizor (2020)\, además de haber participado en cuarenta volúmenes colectivos\, de los cuales ha ideado y coordinado los libros de relatos Sucedió en Oviedo. (2018\, también editor)\, Amanece en Oviedo (2020\, también editor)\, El mundo en torno a un balón (2021) y Mitorama (2021). \n  \nCréditos: Las imágenes del autor\, tanto del cartel como de esta publicación\, son obra de Alberto Ceán-Bermúdez \n  \nEntrada libre hasta completar el aforo \n  \n  \n 
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SUMMARY:La Suite de las Estrellas - La Sonajera - concierto familiar
DESCRIPTION:Basada en la antología de cuentos «Suite de las estrellas»\, de Patricia García Sánchez\, esta experiencia musical reinterpreta la obra de algunas de las principales mujeres compositoras de nuestro país de todos los tiempos\, poniendo banda sonora a escultoras-trovadoras\, piratas\, caleidoscopios misteriosos y reinos olvidados. Uno de los eventos coincidentes en fecha con la celebración del Día de la Mujer. \n  \n \nLa Sonajera es un cuarteto compuesto por Teresa García (violín)\, Sara Cid (violonchelo)\, María Vicente (flauta travesera) y Paula Menéndez (violonchelo). Con una sólida formación en música\, musicoterapia y pedagogía\, se conocieron en la escuela de música Tempo de Oviedo en 2012\, donde empezó su colaboración artística ofreciendo conciertos para bebés y cuentos musicales en reconocidos escenarios de Asturias. Fundaron La Sonajera en 2021 con el propósito de promover el desarrollo musical en los más pequeños mediante espectáculos familiares que destacan por su calidad musical\, interacción con el público\, calidez humana\, sorpresa y experimentación sonora. Con perfiles como el de Teresa\, directora de Tempo de Oviedo y educadora musical\, o Sara\, maestra y colaboradora en cuentos musicales por toda Asturias\, combinan su pasión por la música para encantar a los corazones más jóvenes con la magia sonora. \n  \nGénero: Concierto interactivo\nDuración: 50 minutos\nTipo de público: Familiar. Bebés y niños hasta 6 años.  \n(adultos 9 €\, niños 7 €). \n  \nImportante: A causa de lo reducido del aforo resulta IMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [#ReservaPlaza Estrellas] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente). \n 
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SUMMARY:Mujeres coreógrafas (Anne Teresa de Keersmaeker) - Gloria Borge - Taller de danza contemporánea
DESCRIPTION:Mujeres coreógrafas es un taller diseñado por Gloria Borge para poner en valor y reivindicar el papel de las mujeres en la danza\, no sólo como intérpretes sino también como creadoras. Nuestra forma de celebrar el día de la Mujer unos días después del mismo. \nLa sesión se divide en dos partes\, una teórica y otra práctica. En la primera parte\, se expone el tema del taller a través de unas diapositivas\, con referencias\, imágenes y vídeos\, abriendo un espacio para la intervención de los participantes y el debate. En la segunda parte\, aprendemos y bailamos una pequeña secuencia coreográfica de repertorio de la coreógrafa\, para cerrar el taller con un ejercicio creativo en el que nosotros mismos coreografiamos e interpretamos una secuencia similar a la original. \n  \n\n\n\n\n\n\nGloria Borge (Oviedo\, 1994) es bailarina de danza contemporánea graduada en Estudios de la Danza en la Escuela de Artes Escénicas de la Universidad de Malta. Trabaja para diferentes coreógrafos como Riccardo Buscarini\, Jorge Crecis\, Lucía Piquero o Francesca Tranter (Contact Dance Company). En Asturias baila puntualmente en compañías locales como Proyecto Piloto\, ZigZag Danza o Dana Raz Dance Projects; y también en sus proyectos personales como STILL POINT o Gaviota. Junto a Rafa Cascón co-dirige Proyecto PuntoZer0 donde ambos bailan sus propias creaciones y coordinan su compañía joven para bailarines pre-profesionales. \nIMPORTANTE: Plazas Limitadas. Inscripcion (30 €) en el perfil de Instagram de Gloria Borge \nY tras el taller\, y en esta ocasión directamente relacionado con el mismo\, a las 18:30 nueva sesión de nuestro ciclo «Ver danza\, Pensar danza«\, como siempre\, con entrada libre hasta completar el aforo y taquilla inversa voluntaria y anónima. \n\n 
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SUMMARY:Memorie Liquide (Sacerdotisa de la Sed) - Blanca de Nicolás y Lydia Areces
DESCRIPTION:Este evento se desarrollará en Italia\, ya que en ocasión de la 61ª Biennale di Venezia\, el Spazio SV San Vidal de la capital del Véneto\, cumpliendo deseos lanzados hace un tiempo y con la indispensable intervención de Blanca de Nicolás\, acogerá en la segunda quincena de marzo una doble participación asturiana. Por un lado la exposición de esta artista plástico asturiana bajo el título «Memorie Liquide» («Memoria Líquida»). Se trata de una colección de pinturas en formato tondo\, dibujos a grafito\, fotografía y videoarte\, en dos series\, una de trabajos nacidos de un contacto directo y continuado de Blanca con Venecia y con una comunidad de artistas y amigos que la atraviesan y habitan\, y otra\, más analítica y reflexiva\, con el atelier como protagonista de la producción\, como laboratorio crítico en el que las obras se ponen en crisis\, se testan y se reformulan. \nDentro del itinerario de la exposición se insertará la pieza de performance-danza de Lydia Areces «Sacerdotisa de la Sed»\, creada dentro de nuestro programa de residencias artísticas de Postigo Abierto\, formando parte de Escena en Danza Gijón 2025\, y que después ha venido ofreciendo representaciones en diversos festivales. La obra\, dividida en tres actos (Devoción\, Locura y Saciedad)\, explora temas como la relación entre la imagen y el bienestar\, y los peligros del sacrificio en nombre de la belleza\, siguiendo la doctrina de la protagonista «Beberás limpia o no beberás». \n \n 
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SUMMARY:Lecturas danzadas (Laboratorio en escena) - Lan
DESCRIPTION:LECTURAS DANZADAS es un inventario de recursos de lectura y escritura que transparenta las constantes escénicas\, en alusión al tema de la memoria. Dicho de otro modo\, LECTURAS DANZADAS consiste en un ciclo de investigación de la memoria a través de divertidos experimentos escénicos\, donde el público es invitado a participar\, por supuesto. \nPara su composición teórica\, Lan se nutre de aportaciones de varios maestros. El concepto de «teatro de laboratorio» lo toma de Jerzy Grotowski\, quien bebe a su vez de enfoques anteriores: el método Stanislawsky\, la biomecánica de Meyerhold\, el teatro de la crueldad de Artaud\, el efecto de distanciamiento de Brecht\, los estilos asiáticos… A partir de esta práctica concienzuda se amplían las posibilidades de experimentación\, y se propicia -como proponía Max Herrmann-\, el protagonismo del público. \nLan traduce el «teatro pobre» de Grotowski en «teatro de recursos disponibles». Resume la esencia del hacer escénico en una fórmula: Arte de Urgencia Migratoria\, y de esa función definitoria deduce cinco factores\, lógicos\, fáciles de transmitir y de aplicar inmediatamente\, a los que llama: constantes escénicas. Al inicio de cada función de Laboratorio En Escena\, introduce al público en esas constantes\, que serán las herramientas para abordar la investigación de un tema que conduce a verdades subyacentes. \n  \n \n  \n  \nLan nace en Buenos Aires (Argentina) en 1973. Desde su primera infancia compone escenarios\, títeres y máscaras. En su escuela primaria\, escribe y dirige obras de teatro. Entra en la escuela de teatro de Hugo Midón\, donde su profesora Cristina Banegas lo recomienda a un casting por el que queda seleccionado para la obra «Galileo Galilei»\, primer puesta de un Brecht al retorno de la democracia\, dirigida por Jaime Kogan en el Teatro Municipal Gral San Martín. A partir de entonces tiene varias experiencias televisivas y\, años más tarde\, luego de cursar estudios de cine con Néstor Paternostro\, narrativa literaria con Alberto Laiseca\, plástica con Hermenegildo Sabat\, y las carreras de Arquitectura e Historia en la Universidad de Buenos Aires\, retoma clases de teatro con Nora Moseinco\, Alejandro Catalán\, Thomas Prattki; y cursa clases de canto con Lucía Maranca; de danza contemporánea\, con Carlos Casella; de danza-teatro\, con Mabel Dai Chee Chang; y de  karate\, estilo Shorinryu Matsubaiashi\, con sensei Seiko Arakaki. Se psicoanaliza desde los 15 años y estudia Psicoanálisis de orientación lacaniana desde 2013. Propone laboratorios de teatro con distintos objetivos de investigación desde 2002. A partir de 2005\, en Buenos Aires\, nuclea una compañía con la que produce tres obras. En 2008 se traslada a Madrid\, donde funda otras dos compañías: «Circo de la calma» y «Notoda»\, con las que produce otras tres obras. En Asturias\, donde reside desde 2010\, forma la plataforma «Vello Público»\, de 2011 a 2018\, sello con el que realiza numerosas obras\, y viaja por España\, Irlanda\, Alemania\, Francia\, Gambia y Argentina. Desde 2020 dirige el sello Extra-Actos\, con el que propone «Salto de raíz»\, «Laboratorio En Escena»\, «Las Derrotas»\, «La Dulzura» y «El Proyecto Infalible». También produce videos\, primero como «Vello Público»\, y luego como «Videopelis». Sus videopelis «Por Fin Viva» y «La selva frente a la muerte» fueron seleccionadas en FICX y Cine Azul Surrealidades\, respectivamente. Tiene editados cuatro libros: «Pleno y vacío» (autobiográfico)\, «El cine en la Antigüedad» (novela)\, «Apunts Hermetícs» (novela)\, «Biensur» (diario-ensayo-novela). \n  \n  \nImportante: A causa de lo reducido del aforo resulta IMPRESCINDIBLE RESERVAR PLAZA para acudir a este evento. En nuestra página de CONTACTO escríbenos utilizando el formulario que encontrarás en ella\, haciendo figurar en el campo asunto: [#ReservaPlaza Lecturas] e indicando en el campo texto los datos y forma de contacto (que nos comprometemos a utilizar exclusivamente para el asunto requerido y a gestionarlos adecuadamente)
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SUMMARY:Apología del Círculo - Marta Cuevas - exposición
DESCRIPTION:Apología del Círculo es una serie pictórica que plantea una reflexión plástica sobre el círculo como forma esencial y principio estructurador del espacio pictórico. Inspirado en el pensamiento de Kandinsky y en su obra teórica Punto y línea sobre el plano\, el proyecto investiga la dimensión espiritual y dinámica de los elementos básicos de la pintura. \nEl círculo se presenta como núcleo energético\, símbolo de unidad y expansión. Suspendido sobre un fondo oscuro que actúa como plano de resonancia\, se ve atravesado por líneas blancas que generan tensión\, ritmo y dirección. La línea\, entendida como punto en movimiento\, activa el espacio y establece relaciones invisibles entre los distintos elementos de la composición. \nLa obra no busca representar\, sino sugerir. Se construye desde el equilibrio entre estructura geométrica y gesto intuitivo\, entre contención y vibración. \n  \nEntrada libre. \nInauguración domingo 29 de marzo de 2026 a las 12:00. \nVisitas hasta el 2 de mayo de 2026 en la Pared de los Susurros de Postigo Abierto\, en horarios de lunes a viernes de 17 a 21 horas. \n  \n  \nLa artista \nMarta Cuevas Gómez (Mieres\, Asturias) desarrolla su trayectoria artística desde finales de los años ochenta. Se forma en el Taller Experimental de Humberto\, complementando su formación con seminarios especializados en arte contemporáneo y desarrollo escultórico en Oviedo. \nHa realizado exposiciones individuales en espacios como Galería Benedet y Galería Cimentada en Oviedo\, Sociedad Cultural La Canela en Cádiz con el proyecto Apología del Círculo\, y Galería Toronto en Barcelona\, entre otros espacios culturales. \nSu obra ha participado en certámenes nacionales como el Certamen Nacional “Nicanor Piñole”\, el Certamen Nacional de Pintura de Luarca y la Bienal Nacional de Pintura “La Carbonera”. Asimismo\, ha estado presente en ferias de arte contemporáneo como MAC 21 Marbella\, ARTESANTANDER y Feria Arte Oviedo. \nSu trabajo se inscribe en la abstracción geométrica\, con especial interés por la relación entre punto\, línea y plano\, desarrollando un lenguaje plástico donde el círculo se convierte en elemento estructural y simbólico. \n  \n  \n 
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